Международный театральный фестиваль «Александринский»

В этом году программа международного театрального фестиваля «Александринский» также как и в 2015 году включала в себя как европейские спектакли, так и спектакли, привезенные из Азии. Анализируя программу фестиваля и пытаясь понять логику включения того или иного спектакля, обращаешь внимание на некоторую повторяемость тем, конфликтных ситуаций, которые в разных спектаклях разрешаются по-разному.

Взяв, к примеру, спектакли «Преступление и наказание», «Скупой» и «Ревнивые женщины», видим, что спусковым механизмом для разворачивания всей истории или же связующим элементом, тесно скрепляющим все события, являются деньги. Деньги как символ власти над людьми отчетливо прослеживается в каждом из перечисленных спектаклей. Именно отсутствие средств к существованию наводит Родиона Раскольникова на мысль об убийстве старухи процентщицы, богатство Гарпагона в «Скупом» позволяет ему манипулировать своими детьми, долг и потребность в деньгах заставляют Больдо и Тодеро из «Ревнивых женщин» обратиться за помощью к Лукреции, что вызывает бурное негодование и ревность у их жен. Тема власти над человеком прослеживается и в двух других спектаклях фестиваля. Тут и история двух друзей, разлученных власть имущими и вынужденных жить в лишениях и унижении, представленная артистами Пекинского народного художественного театра. С другой стороны, судьба троянских женщин и детей после падения Трои, которые не в силах противостоять силе греческих солдат в спектакле «Троянки». Несмотря на то, что диапазон материала для сценической адаптации колеблется от древней китайской литературы («Верные друзья»), древнегреческой трагедии («Троянки») до литературы 17 («Скупой»), 18 («Ревнивые женщины») и 19 веков («Преступление и наказание»), совершенно ясно, что все спектакли отражают в той или иной степени наше время, нестабильную ситуацию в мире, умонастроения людей.

По уже устоявшейся традиции фестиваль открылся постановкой с участием артистов Александринского театра. Режиссером постановки выступил художественный руководитель Венгерского национального театра Аттила Виднянский, который перенес на сцену роман Ф.М. Достоевского «Преступление и наказание». Спектакль получился очень глубокий, многослойный, ставящий перед зрителем важные вопросы, которые волновали автора романа и которые до сих пор не утратили своей болезненной актуальности. Во время просмотра постановки, очень сильно чувствуешь католическое вероисповедание самого режиссера. Во время действия то и дело звучит церковная музыка, еще более усиливающая религиозную тему спектакля. Декорации, выполненные в черно-белой гамме, словно бы призваны разделить мир на две половины: добро и зло, а может быть подчеркнуть противоречивость человеческой натуры. Громоздкие конструкции на сцене и многочисленные детали создают атмосферу тесноты и духоты, которая подтачивает душевные силы героев. Может быть, эта четкость и выдержанность геометрических пропорций декораций подчеркивает незыблемость концепций и убеждений, которые выстроил Родион Раскольников в своей голове. Но по мере течения действия, мы, то и дело замечаем, как эти конструкции начинают менять свое положение. Идеи Раскольникова на деле, оказываются такими же хрупкими и рушатся под воздействием реальной жизни. Для того чтобы перенести действие в наше время, авторы постановки одели героев в современные костюмы: Раскольникова — в толстовку, брюки и кеды, Лужина — в деловой костюм, Порфирия Петровича — в джинсы, жилетку, кеды Nike.

Актеры как будто только сошли с листов романа. Александр Паламишев, исполняющий роль Родиона Раскольникова, делает своего героя немного сутулым, задумчивым, имеющим в своем поведении некоторую нервозность и взвинченность. Он точно показывает перед нами человека, доведенного до отчаяний и потерявшего веру. Соня Анны Блиновой, хрупкая молодая девушка, робкая, стойко принимающая все удары судьбы, но имеющая крепкий внутренний стержень. Очень пронзительно звучит в ее исполнении притча о воскрешении Лазаря в конце первого действия, показывающая всю глубину и силу ее веры. Примечательны мягкотелый Порфирий Петрович Виталия Коваленко, хитрый и скользкий Свидригайлов в исполнении Дмитрия Лысенкова и надменный Лужин Валентина Захарова.

Просмотрев всю программу, можно с уверенностью сказать, что это самый сильный спектакль фестиваля. И все бы было хорошо, если бы не длительность действия, которое растягивается более чем на 5 часов. Досматривать спектакль, постоянно поглядывая на часы и высчитывая момент, когда заканчивает ходить последний транспорт, действительно становится пыткой. Благо, театр внял просьбам и перенес время начала спектакля на 17.00 часов.

Восточный театр был представлен спектаклями «Верные друзья» Пекинского народного художественного театра и «Троянки» театра Судзуки в Тоге, Япония.

Первое, что хочется отметить, посмотрев спектакль «Верные друзья» — это сценическое оформление, выполненное с особой тщательностью и призванное четко обозначить место и время действия. Стилизованные декорации интерьера императорского дворца эпохи правления династии Мин служат фоном, на котором развиваются основные события. Ненавязчивое звуковое и световое оформление лишь расставляет акценты по ходу действия, привлекая внимание к конкретной сцене и помогая создать нужную атмосферу. Традиционные китайские костюмы на героях дают представление о том, как одевались люди в то время.

Материалом для сценической адаптации спектакля «Верные друзья» послужили сюжеты древней китайской литературы. Это авторство отчетливо прослеживается на протяжении всего действия: все слова и поступки героев буквально пропитаны духом конфуцианства. Такие истины, как «мужчина жизнь готов отдать за близкого друга», «найти хотя бы одного друга на всю жизнь вполне достаточно» звучат практически в каждом диалоге, происходящем между героями. Действие развивается последовательно и неспешно, подобно течению реки. В начале спектакля мы узнаем о разлуке двух друзей. Примечательно то, что причиной становится ссылка одного из них в связи с ложным обвинением в подкупе — поступке, который прямо противоречит главным идеям Конфуция о чести и порядочности. Все дальнейшее повествование раскрывает перед нами судьбу человека, пытающегося вернуть сосланного друга и терпящего на своем пути унижения и лишения, но сохранившего внутреннее достоинство.

После просмотра понимаешь, что этот спектакль созвучен самой идее театра, в название которого вынесено слово «народный». Действительно, легко представить себе, что данная постановка найдет отклик у зрителей Поднебесной, воспитанных в данной системе ценностей. Что касается западного зрителя, то спектакль скорее будет интересен не сам по себе, а именно возможностью прикоснуться к китайской культуре. Постановке, продуманной до мельчайших деталей, наполненной назидательными истинами не хватает легкости, а зрителю — возможности для рефлексии и простора для воображения.

В отличие от Пекинского народного театра, театр Японии представил на фестивале спектакль, драматургической основой для которого послужила не национальная литература, а европейская, трагедия «Троянки» древнегреческого автора Еврипида. Всегда интересно наблюдать синтез культур, в данном случае столкновение и взаимодействие восточного менталитета режиссера и драматургии Запада. Материал этот выбран был осознанно. По словам самого режиссера, драма женщин города Троя, оставшихся без опоры и поддержки на пепелище сожженного города, описываемых в трагедии, оказалась очень близка для самих японцев и режиссера, переживших бомбардировки Хиросимы и Нагасаки авиацией США во время Второй мировой войны.

Для того чтобы передать гнетущую атмосферу, создателями постановки был использован минимальный набор художественных средств: черная коробка сцены с минимумом декораций, словно пепел сожженного города, окружает героев пьесы со всех сторон, но она также и служит отголоском внутренней пустоты самих героев пьесы. Позы действующих лиц статичны, все эмоции и переживания передаются с помощью выразительной мимики актеров и небольшого набора четких и выверенных жестов. Этот минимализм в декорациях и действии напрямую отсылают к эстетике японского театра «Но». Однако, в отличие от последнего, здесь нет масок, и длительность спектакля не превышает 1 часа вместо положенных 3-5. Отсутствие масок и вкрапление элементов танца и музыки в действие приближают спектакль к другой разновидности театра Японии — «Кабуки». Помимо вышеперечисленных элементов, характерной для театра «Кабуки» является также тема крушения высокопоставленного и могущественного лидера, в данном случае могущественного народа Трои. Таким образом, смешивая эти два вида театра, создатели спектакля создают атмосферу, помогающую зрителю проникнуться историей и прочувствовать всю тяжесть бремени, которая легла на Троянок. Но, к сожалению, вся эта концентрация на действующих лицах и на истории, заканчивается полным недоумением в финале спектакля, представляющем вставку японской поп музыки, выбивающейся из ритма всего предыдущего действия.

Говоря о «Скупом» Ж.-Б. Мольера в постановке Израильского театра «Габима» и «Ревнивых женщинах» Карло Гольдони итальянского театра Пикколо, нельзя не отметить, что в обеих постановках чувствуется дух комедии дель арте, оказавшей влияние на творчество Гольдони и его предшественника Мольера. Прежде всего, это, конечно, сама атмосфера площадного театра. Кроме того, это четко представленные различные социально-психологические типы: скупой старик Гарпагон, пара влюбленных, слуги («Скупой») и Арлекин, ревнивые жены и их мужья, пристрастившиеся к карточной игре («Ревнивые женщины»).

Выбор сценического оформления спектакля «Скупой» весьма прагматичен, также как главное действующее лицо спектакля: здесь нет предметов, которые бы не имели своего функционального назначения. Таким образом, основными декорациями на протяжении всего действия являются ковры, под которые будет прятать деньги Гарпагон и двери, за которыми будут совершаться все интриги. Примечательно, что эти же самые двери, благодаря своей темно-зеленой окраске и таланту художника по свету, со стороны выглядят как зеленые купюры. Деньги — символ власти, позволяющей Гарпагону манипулировать своими детьми и удерживать их возле себя. Однако за его действиями угадываются более глубинные причины — страх одиночества и страх перед смертью. Как бы то ни было, проявляя скупость и деспотизм, он вынуждает своих детей Клеанта и Элизу и остальных действующих лиц скрывать свои истинные намерения и достигать поставленных целей, придумывая различные уловки. Минималистичность сценических декораций с лихвой компенсируется яркостью костюмов действующих лиц. Вот уж где фантазия смогла проявиться в полную силу! Подобная пестрота и разнообразие костюмов побудила и самих актеров играть эту историю вдохновенно и пронзительно. Слаженность актерского ансамбля и темперамент артистов превратили эту историю в интригующее действие.

Спектакль «Ревнивые женщины» открывается сценой проливного дождя. Когда дождь проходит, мы обнаруживаем деревянные подмостки, отсылающие к тому времени, когда спектакли давались на площадях. В центре сцены сидят четыре женщины: синьора Джулия с дочерью и племянницей и ее подруга синьора Тонина. Из разговора двух женщин становится понятно, что ведут они не светскую беседу, а просто коротают время за сплетнями. Обсуждают предстоящий карнавал и, конечно, своих мужей и их подозрительное посещение некой вдовы синьоры Лукреции. Накручивая и предостерегая друг друга, они, в конце концов, приходят к необходимости пресечь это хождение. Все дальнейшее действие будут составлять сцены интриг и попыток разоблачения, и, конечно, вспышек, в общем-то, обоснованной ревности. Места действия будут обозначаться с помощью титров на кулисах по обе стороны сцены. Декорация дома синьоры Лукреции будет представлена большой темно-серой конструкцией с небольшими отверстиями, обозначающими окно и дверь. В отличие от Ж.-Б. Мольера, Карло Гольдони сделал главными героями бедные слои населения. Для передачи этой атмосферы беспросветности и нищеты был выбран приглушенный свет для действий, происходящих на улочках Венеции, и декорации, выполненные в темных тонах. Сцены дождя (в буквальном смысле, потока воды, обрушивающегося на сцену), в начале спектакля становится достаточно для того, чтобы потом на протяжении всего действия ощущать сырость и затхлость мира, в котором существуют действующие лица спектакля. Нищета делает их подверженными таким порокам как страсть к карточной игре, ревность, зависть. Пренебрежение этическими стандартами и нормами морали толкает их на поступки, которые были бы неприемлемы в другой ситуации.

Интересно то, что выбор создатели спектакля остановили на пьесе национального автора, требующего от актеров яркой эмоциональной и темпераментной игры. Временами, проявляя излишнюю экспрессию в жестах и утрируя эмоции, они, тем не менее, создают необходимый накал страстей и воспроизводят итальянский дух самой пьесы. Немало этому способствует и итальянская речь, звучащая со сцены. В итоге из сильных сторон спектакля можно выделить атмосферу упадка, которую удалось передать. Что касается слабых сторон, то это скорее затянутость некоторых сцен, которая не позволяет сделать действие достаточно динамичным и интригующим. Возможно, этим обусловлено и ощущение того, что актеры, пытаясь оживить эти эпизоды и буквально вытащить их на себе, проявляют чрезмерность в выражении эмоций и жестах.

Несмотря на то, что только спектакль «Преступление и наказание» из всей программы оказался настоящим потрясением, фестиваль, тем не менее, успешно реализовывает свою главную миссию — знакомство с театральными культурами разных стран с целью более полного осмысления процессов, происходящих в русском театре.